Audit créatif en 24h : un protocole pour photographes

On photographie souvent par à-coups : une sortie, un voyage, un moment de libre. Je dis ça en connaissance de cause, j’écris cet article… depuis un weekend à Bruxelles. Résultat : il est difficile d’avoir une vision claire de son niveau réel, de ses obsessions, de ses points faibles. D’où l’idée derrière cet article : organiser un audit créatif condensé en 24 heures. Ni un stage à 1500 € avec un influenceur parisien, ni une retraite artistique, mais une méthode simple pour se jauger, progresser et repartir avec une série cohérente.

On essaie ? 🙂

J’ai préparé cet article pour que le processus proposé (dites le 3 fois sans bafouer) soit intense mais accessible : c’est un peu comme un stage express que l’on se crée à soi-même sur une seule journée (ou presque). Le programme ci-dessous peut paraître chargé, mais il est justement conçu pour vous faire sortir de votre zone de confort et révéler vos points forts comme vos axes d’amélioration en un temps record. Et promis, y’aura pas besoin d’acheter des NFT.

Combien de fois entend-on « Je manque de temps pour faire des photos » ou « Je n’arrive pas à progresser » ? Justement, ce format intensif apporte une réponse à ce problème. En condensant un effort créatif sur une seule journée (ou plusieurs si vous souhaitez dormir), on se force à sortir de sa zone de confort et on obtient un feedback immédiat sur sa pratique. C’est un petit électrochoc photographique, dont on ressort avec des enseignements concrets.

Préparer son audit

Avant de démarrer cette journée un peu particulière, il est utile de poser calmement un cadre. Pas un cadre rigide ou scolaire, plutôt un espace clair dans lequel vous pourrez circuler sans vous disperser. C’est ce qui va vous éviter de courir dans toutes les directions, de photographier impulsivement tout ce qui passe et, à la fin, de vous demander pourquoi rien ne tient en place. Ce travail de préparation ne prend que quelques minutes et conditionne en grande partie la qualité de votre audit : plus le terrain est balisé au départ, plus vous serez libre ensuite. Choisissez d’ailleurs un moment où vous avez réellement la journée devant vous, sans obligations ni interruptions. Une fenêtre de 24 heures presque vide : c’est ce que vous cherchez ici¹.

Commencez par vous donner une contrainte. Cela peut être un lieu familier (votre quartier), un thème large (« mouvement »), un mot-clé (« silence »). L’important n’est pas la sophistication de la contrainte, mais son rôle : elle doit resserrer votre regard, vous offrir un fil conducteur, une colonne vertébrale. Vous saurez ainsi ce que vous cherchez… et surtout ce que vous laissez de côté. Cette sélectivité est précieuse : elle évite l’éparpillement et donne une forme naturelle à votre journée. D’ailleurs, elle peut aussi être technique : des fois je m’impose un set-up ou réglage particulier (une optique particulier, shooter en noir et blanc, ou au flash, etc.).

Ensuite, simplifiez votre matériel au maximum. Un boîtier. Une focale fixe. Un carnet ou l’application de notes qui vous convient. Rien de plus. Voyager léger n’est pas un exercice de minimalisme pour le plaisir : c’est une manière de rendre vos décisions plus claires. Quand on ne peut compter que sur une seule focale, on travaille avec ce qu’on a. On se débrouille, on compense, on trouve des solutions. Et on arrête de se raconter l’histoire que l’on aurait pu « faire mieux » avec un autre objectif. C’est très libérateur.

À ce stade, vous pouvez poser quelques règles simples pour orienter l’ensemble de la journée. Elles ont l’air anodines, mais promis, elles changent profondément la façon dont on travaille.

• Aucune retouche avant la fin des 24 heures. Vous vous concentrez sur la prise de vue, point. Le post-traitement pourra attendre. Acceptez les imperfections, les hésitations, les accidents. Ils font partie du processus.
• Fixez un quota d’images pour chaque bloc. Par exemple, un maximum de cinquante déclenchements toutes les trois heures. La pression de la quantité oblige à réfléchir davantage, à anticiper et surtout à photographier avec intention.
• Ne montrez rien pendant la journée. Ni à vos proches, ni sur Instagram, ni dans un groupe. Le feedback prématuré modifie le regard, l’intention, l’énergie. Restez dans votre bulle. Vous aurez le temps de partager et d’échanger après.

Toutes ces règles ont le même but : vous placer dans un état d’attention soutenue². Pas d’angoisse technique, pas de dispersion, pas de validation extérieure. Juste vous, votre contrainte, votre appareil et la journée devant vous.

Une fois ce cadre posé (solide, clair, suffisamment contraignant pour être fertile) vous pouvez entrer dans le cœur de l’audit.

Les 8 blocs de 3 heures

La journée est découpée en huit séquences de trois heures. Chaque bloc a son rôle, son objectif précis, sa petite mission. Ce format découpé n’est pas là pour faire joli : il crée une respiration naturelle entre les phases de prise de vue, les moments d’analyse et les pauses indispensables pour ne pas vous épuiser trop vite. Vous avancez par paliers, avec une dynamique qui se renouvelle, et non dans un tunnel interminable. Vous sentirez probablement des creux à un moment donné, quelques doutes, un coup de fatigue ou cette petite voix qui demande pourquoi vous vous êtes lancé là-dedans (surtout si vous faites les 24h d’affilée😂). C’est normal. C’est même une partie intégrante du protocole : ce marathon créatif met vos réflexes à l’épreuve, autant que votre patience et votre lucidité. Et c’est précisément dans ces passages-là que l’audit commence à révéler ce que vous avez dans le ventre.

Bloc 1 : repérage

• Explorer son terrain. Prenez le temps de faire le tour de l’espace choisi. Marchez, observez, sans chercher à réaliser de suite des chefs-d’œuvre. Ce temps d’observation sert à vous imprégner des lieux sans pression.
• Repérer les lumières, motifs et lieux intéressants. Identifiez les sources lumineuses marquantes (soleil rasant, lampadaires, néons, etc.), les motifs visuels récurrents (formes, textures, couleurs qui se répondent) et les endroits clés du lieu qui vous attirent. En bref, notez mentalement tout ce qui pourrait servir votre série.
• Noter 5 idées rapides dans le carnet. Couchées sur le papier (ou l’écran) sans filtre, ces cinq idées peuvent être des scènes à capturer, des concepts ou des mots qui vous viennent en tête en arpentant le lieu. Elles serviront de point de départ pour la suite, sans être figées : vous pourrez les garder ou les adapter en cours de route.
• Prenez un café, vous en aurez besoin.

Bloc 2 : warm up

Après le repérage, vient le moment où l’on doit vraiment se mettre en route. Le Bloc 2 sert exactement à ça : réveiller votre geste, sortir votre œil de l’inertie et briser les automatismes qui se sont installés sans que vous vous en rendiez compte. Ce n’est pas encore du « bon travail », juste un échauffement pour délier le regard, tester des choses, provoquer de petits accidents visuels. Quelques exercices simples suffisent pour dérouiller la machine et vous préparer à la suite.

Commencez par quelques exercices simples. Imposez-vous par exemple des cadrages inhabituels, tentez une série en contre-plongée, ou posez carrément l’appareil au ras du sol pour voir ce que cela déclenche chez vous. Vous pouvez aussi vous fixer un rythme très serré : dix déclenchements en dix minutes pour travailler votre réactivité. Ou encore photographier totalement à l’instinct, sans cadrer à l’avance, juste pour sentir ce que produit un regard un peu plus libre. L’objectif n’est pas de faire de belles images, mais de vous mettre en jambes et de briser d’emblée la routine qui s’installe parfois sans qu’on le remarque.

L’idée générale reste la même : casser la mécanique familière. Ce petit échauffement sert justement à vous sortir de vos habitudes de prise de vue. En vous imposant ces défis ludiques, vous bousculez vos réflexes, vous déstabilisez vos repères et vous préparez votre œil à être plus attentif, plus réactif et plus créatif pour la suite du travail.

Bloc 3-4 : travail dirigé

Après l’échauffement, on entre dans le dur. Les blocs 3 et 4 sont là pour vous imposer un vrai cadre, un cadre qui serre un peu mais qui clarifie vos intentions. Fini le freestyle du warm up : ici, on travaille avec des contraintes précises, presque mécaniques, pour forcer l’œil à regarder autrement. Ce n’est pas toujours confortable, mais c’est justement ce qui rend ces deux blocs si efficaces. Chaque règle que vous vous imposez va décaler votre manière de composer, de gérer la lumière, de réfléchir l’image. Et c’est souvent à ce moment-là que surgissent les premières surprises.

• Bloc 3 : contrainte de cadrage. Pendant ces 3 heures, imposez-vous une règle stricte de cadrage pour toutes vos photos. Par exemple, ne photographiez qu’en orientation verticale, ou composez chaque image avec la ligne d’horizon très haute dans le cadre. Nous avons tous des cadrages de prédilection sans en avoir conscience : cet exercice vous force à regarder autrement et à explorer des compositions hors de votre zone de confort.
• Bloc 4 : contrainte de lumière. Ici, concentrez-vous sur une condition lumineuse inhabituelle pour vous. Par exemple, ne faites que des photos en contre-jour prononcé, ou consacrez le bloc à des scènes de nuit, ou encore décidez de n’utiliser que l’éclairage néon des vitrines. Il s’agit d’apprivoiser une lumière que vous gérez moins bien, afin d’élargir votre palette technique et créative.

L’objectif ici est simple : forcer votre œil à sortir de son confort. Ces contraintes de cadrage et de lumière ne sont pas là pour faire joli, mais pour vous pousser à quitter les habitudes bien ancrées qui pilotent souvent votre pratique sans que vous vous en rendiez compte. En travaillant ainsi, pendant plusieurs heures, vous obligez votre regard à emprunter des chemins moins évidents, à tester des compositions que vous n’auriez jamais instinctivement tentées, à apprivoiser des lumières que vous évitez d’ordinaire. À la fin de ces deux blocs, vous aurez exploré des pistes plus audacieuses, peut-être un peu déroutantes, mais précieuses pour grandir en tant que photographe.

Bloc 5 : editing intermédiaire³

Le Bloc 5, c’est le premier vrai coup d’arrêt. Après plusieurs heures à courir partout, l’appareil collé au visage, vous allez enfin voir ce que vous avez réellement produit. C’est le moment où l’on pose la caméra, où l’on respire un peu, et où l’on se confronte à l’évidence : tout n’est pas bon, tout n’est pas maîtrisé… et c’est normal. Vous passez du mode collecte au mode tri, du « je capture » au « je comprends ». On n’est plus dans l’excitation du terrain, mais dans la lucidité, celle qui gratte un peu mais qui vous fait progresser.

Ici, vous commencez à discerner la direction de votre série et à prendre conscience des images qui tiennent debout.

Voici les différentes étapes :

• Commencez par réduire violemment la masse (tout en restant dans la légalité, on parle d’une violence symbolique) : gardez trente images, pas une de plus. C’est un tri un peu brutal, presque douloureux parfois, mais c’est le seul moyen d’éclaircir le terrain. En vous limitant à une trentaine de photos, vous forcez votre regard à ne retenir que ce qui compte vraiment, ce qui a du poids ou du sens pour votre série. Vous laissez de côté tout le reste, même si cela pique un peu.
• Une fois cette première sélection posée, prenez le temps de justifier chaque image. Quelques mots suffisent : « cadrage juste », « lumière intéressante », « atmosphère qui fonctionne », etc.. L’exercice est simple en apparence, pourtant il révèle beaucoup. En expliquant pourquoi une photo reste en place, vous voyez apparaître vos préférences, vos intuitions, vos critères réels. C’est un miroir honnête où l’on découvre parfois ce que l’on valorise sans s’en rendre compte.
• Regardez ensuite l’ensemble comme un bloc. Repérez les répétitions, les doublons, les manques évidents. Est-ce que certaines images se ressemblent trop ? Est-ce qu’un type de photo n’apparaît jamais ? Avez-vous oublié un plan large, un portrait, un détail ? Ces motifs sont précieux : ils vous montrent où votre regard s’est enfermé, et ils ouvrent la voie pour la suite de l’audit.

Bloc 6 : reshoot ciblé

Ce bloc marque le moment où vous retournez sur le terrain avec un but précis. Après le tri du Bloc 5, vous savez déjà ce qui manque, ce qui tourne en rond, ce qui ne raconte rien ou pas assez. C’est là que vous reprenez le contrôle : on arrête de subir sa sélection, on corrige. En général, ce retour est stimulant, parce que vous n’êtes plus en train de « chercher au hasard ». Vous partez avec une mission claire en tête, ce qui change complètement votre manière d’aborder le terrain.

Revenez sur les faiblesses repérées : manque de diversité, absence totale de portraits, toujours le même angle, ou un élément important de votre thème qui n’apparaît nulle part. N’écartez pas ces constats, prenez-les au sérieux. Ce sont eux qui vont guider vos prises de vues. Retournez shooter avec l’intention de combler ces trous, d’aller chercher les pièces manquantes qui donneront de la cohérence à votre série.

Et parfois, ce n’est pas un manque que vous devez corriger, mais une force que vous pouvez renforcer. Si un axe fonctionne particulièrement bien, rien ne vous empêche d’y retourner, de l’approfondir, de pousser un peu plus loin. Dans les deux cas, ce reshoot ciblé a un rôle crucial : il équilibre l’ensemble et solidifie votre intention. C’est ce bloc qui donne un vrai tournant à votre série, celui où vous reprenez la main sur ce que vous racontez.

Bloc 7 : série finale

Lorsque vous arrivez à ce septième bloc, tout se resserre. Vous avez passé la journée à arpenter, essayer, corriger, revenir sur vos pas… Il est temps de ramener tout cela à quelque chose de plus précis. Ici, vous cherchez la forme finale, celle qui tient debout sans artifice. C’est un moment un peu délicat, parce qu’il demande à la fois de la lucidité et un certain détachement. Vous n’êtes plus dans l’excitation du terrain ni dans le tri intermédiaire, mais dans une mise au point franche qui donne son identité à la série.

Commencez par ne garder que douze images. Pas treize, pas vingt, douze (c’est tous les doigts de la main + 2). Cette réduction peut paraître brutale après une journée entière de prises de vue, mais c’est justement ce qui en fait la force. En vous imposant cette limite, vous obligez votre regard à ne conserver que ce qui a réellement de l’impact, ce qui raconte quelque chose avec une présence nette. Douze images, c’est un cadre suffisamment serré pour laisser respirer chaque photo, tout en maintenant une cohérence d’ensemble.

Une fois cette sélection stabilisée, penchez-vous sur l’ordre. Vous pouvez choisir de suivre le fil de votre journée, partir d’un plan large pour resserrer progressivement, ou organiser la série par résonances d’ambiances. Peu importe la logique retenue, du moment qu’elle sert l’ensemble. L’agencement crée du sens, il guide le regard et infléchit la manière dont on reçoit vos photos. Prenez le temps d’essayer plusieurs séquences, vous verrez que certaines s’imposent d’elles-mêmes.

Ensuite, écrivez une centaine de mots pour accompagner la série. Rien de grandiloquent, juste un texte clair qui présente votre intention, la démarche, ce que vous avez cherché à saisir. Cette étape n’est pas qu’un supplément de communication. En formulant vos pensées, vous ancrez réellement votre propos, vous comprenez ce que vos images racontent ensemble. Ce court texte devient le dernier maillon de la série, celui qui éclaire votre choix sans le surligner.

Bloc 8 : relecture et pause

À ce stade, il est essentiel de vous offrir une coupure franche. Une heure, pas moins. Une heure où vous quittez l’écran, l’appareil, les dossiers, et surtout le mode « photographe en mission ». Allez marcher, prenez l’air, changez totalement de rythme. Ce détachement volontaire n’est pas un luxe, c’est une étape clé. Sans cette respiration, impossible de revenir avec un regard vraiment disponible.

Quand vous revenez à votre série, tout se décante. Vos douze images et votre texte vous apparaîtront autrement, presque comme si quelqu’un d’autre les avait produits. Vous verrez des détails que vous n’aviez pas remarqués, des tensions qui n’ont plus lieu d’être, ou au contraire une photo qui sonne faux une fois la fatigue retombée. C’est ici que vous pouvez vous autoriser un dernier tri, supprimer une image qui dénote, ou retoucher légèrement votre texte si un mot sonne mal. L’objectif est simple : porter un regard honnête et final sur l’ensemble.

Une fois ce dernier passage effectué, vous pouvez finaliser la série. Vérifiez l’ordre des images, assurez-vous que la progression a du sens, que rien ne perturbe la lecture. Relisez votre texte d’accompagnement avec attention, corrigez les formulations inutiles, resserrez ce qui doit l’être. Quand tout se tient, quand les douze images respirent ensemble et que le texte trouve sa place, vous pouvez considérer l’audit terminé. Vous avez entre les mains une série cohérente, assumée, prête à être montrée ou simplement conservée comme un point d’étape dans votre pratique.

Scorecards : s’auto-évaluer

Avant de refermer cette journée un peu intense, il reste une étape essentielle : mesurer ce que vous avez produit. Pas pour vous juger durement, mais pour donner une forme concrète à votre progression. Une grille simple suffit, le genre d’outil qui ramène un peu d’objectivité dans un exercice profondément subjectif. Vous pouvez la remplir seul, ou demander l’avis d’un ami photographe dont vous respectez le regard. L’idée n’est pas de chercher un verdict, mais d’obtenir un retour clair sur ce que votre série réussit, sur ce qui manque, sur ce qui mérite d’être travaillé.

Critères (0 à 5 points chacun) :

1. Cohérence : les images fonctionnent-elles ensemble en série ? Autrement dit, retrouve-t-on un fil conducteur visuel ou narratif clair qui relie les photos entre elles ?
2. Variété : y a-t-il une diversité de sujets, de cadrages et de lumières dans votre série ? Ou bien toutes les photos se ressemblent-elles trop ? Idéalement, votre ensemble final doit présenter une certaine richesse visuelle (plans larges vs rapprochés, différentes ambiances) tout en restant cohérent.
3. Maîtrise technique : l’exposition, la netteté et le traitement sont-ils bien maîtrisés ? Les images sont-elles globalement bien exposées, nettes quand il le faut, avec un post-traitement homogène et adapté ? En clair, la technique sert-elle correctement votre série sans fausse note apparente ?
4. Inventivité : y a-t-il une prise de risque ou de l’originalité visible dans vos images ? Avez-vous tenté des choses nouvelles, osé des compositions ou des sujets hors de votre ordinaire ? Ce critère valorise la créativité et l’expérimentation dont vous avez fait preuve.
5. Narration : l’ordre des images et le texte d’accompagnement ajoutent-ils une dimension supplémentaire ? En d’autres termes, le séquencement de vos photos crée-t-il un récit ou une progression cohérente, et le texte apporte-t-il un éclairage ou une émotion en plus ? Si oui, c’est que votre série raconte quelque chose au-delà de la simple juxtaposition d’images.

Attribuez pour chaque critère une note de 0 (nul) à 5 (parfait) en toute honnêteté, sur base de votre série finale. Vous pouvez aussi solliciter un autre photographe de confiance pour un avis extérieur et comparer vos points de vue.

Le score maximum doit être de 25 points. C’est volontairement simple, lisible et reproductible. L’intérêt n’est pas de “faire un bon score”, mais de disposer d’un repère stable dans le temps. Si vous répétez l’audit tous les six mois environ, vous verrez immédiatement si votre pratique évolue. Peut-être que votre cohérence progresse, peut-être que votre inventivité grimpe, peut-être que votre maîtrise technique reste un peu stagnante… Peu importe le résultat en lui-même, ce qui compte, c’est la dynamique. Ce suivi chiffré devient un tableau de bord discret mais fiable pour mesurer votre progression réelle, au-delà des impressions et de l’humeur du jour.

Exemple concret

Imaginons un photographe qui choisit « mon quartier la nuit » comme thème pour son audit créatif. Déroulé possible des opérations :

• Repérage → il parcourt le quartier et repère trois rues intéressantes. Il note également la présence de lampadaires au sodium qui baignent ces rues d’une lueur orange caractéristique.
• Warm up → il prend une vingtaine de photos de vitrines et de détails urbains, dont la plupart sont ratées. Toutefois, au milieu de ces essais peu concluants, trois images sortent du lot de façon inattendue.
• Travail dirigé → pendant les blocs 3 et 4, il s’astreint à des techniques imposées. D’abord, il essaye la pose longue sur trépied pour capturer l’ambiance nocturne du quartier. Puis il passe à l’inverse : il utilise un flash direct pour figer certaines scènes. Ces deux approches contrastées le forcent à s’adapter et à penser différemment sa photo.
• Editing intermédiaire → après le premier tri, il retient une quarantaine de photos. Problème : aucune ne montre la moindre présence humaine. Son quartier apparaît désert dans cette sélection initiale, ce qui lui signale un manque évident.
• Reshoot → pour remédier à l’absence de vie humaine, il ressort shooter un peu plus tôt le soir suivant, à l’heure où des passants circulent encore. Il peut ainsi intégrer quelques silhouettes ou portraits volés d’habitants dans sa série nocturne.
• Série finale → au bout des 24 heures, il compose sa série finale de 12 images. On y trouve notamment 3 portraits volés de passants, 2 abstractions de lumière, et 1 plan d’ensemble du quartier pour le contexte. Grâce à ces ajouts, la série reflète bien l’ambiance nocturne du quartier, avec une présence humaine.
• Scorecard → à l’évaluation, il obtient 18/25. La grille souligne notamment un déficit de variété : il n’a presque pas de plans larges dans sa série finale. Il sait donc qu’il devra travailler ce point lors de ses prochains shoots (par exemple, penser à intégrer plus de vues d’ensemble).

Ce petit scénario montre bien comment l’audit agit comme un révélateur. On n’est pas dans une sortie photo improvisée où l’on rentre chez soi avec une carte pleine et aucune idée de ce qui fonctionne. Ici, chaque étape oblige à regarder ce que l’on fait, à comprendre ce qui manque, à ajuster en direct. Le photographe de l’exemple n’a pas juste « fait des photos la nuit » : il a vu que sa série sonnait creux, identifié l’absence de présence humaine, puis modifié son approche pour l’enrichir. Résultat, la série finale est plus dense, plus équilibrée, plus incarnée. C’est exactement ce que permet cet audit : transformer une journée de shooting en un vrai processus de progression, avec des enseignements concrets au lieu d’une simple promenade nocturne.

Conclusion

Cet audit créatif n’a rien d’un gadget, ni d’une énième recette miracle vendue dans un workshop hors de prix où l’on vous promet de « retrouver votre œil » à coups de citations de Cartier-Bresson et de café tiède. Ici, pas de poudre aux yeux. Pas de formules magiques. Pas de stage exotique pour photographes en burn-out. Juste un protocole exigeant, concret, que vous appliquez seul, sans décor marketing autour, et qui révèle réellement où vous en êtes.

En une seule « journée », vous ramenez à la surface tout ce que votre pratique comporte de bon, de fragile, d’inabouti. Vous construisez une série cohérente, vous évaluez votre travail avec honnêteté, vous identifiez vos réflexes, vos manques et ce qui vous bloque. C’est fatigant, c’est intensif, et par moments vous aurez envie d’abandonner, ce qui est justement la preuve que la méthode bouscule ce qui doit l’être.

Si vous vous y tenez, si vous respectez les blocs, les quotas, les contraintes, alors cet audit devient un vrai levier de progression. Vous n’attendez plus qu’un voyage, un stage ou une inspiration divine pour avancer. Vous prenez votre pratique en main, vous vous confrontez à votre travail, et vous ressortez de ces 24 heures avec des images solides et des pistes très claires pour la suite.

C’est exigeant, oui. Mais c’est précisément ce qui le rend efficace. Et si cela fonctionne une fois, vous verrez qu’il n’y a aucune raison que cela ne fonctionne pas à nouveau six mois plus tard. Alors bloquez une journée, préparez votre matériel minimal… et allez voir ce que vous avez dans le ventre.

Pendant l’écriture de cet article, et sans doute pour les six prochains mois encore, je suis resté coincé dans une boucle sonore aussi routinière que mécanique. J’ai tourné en rond avec le même album, encore et encore, comme si la répétition obstinée me tenait compagnie pendant ce travail un peu monomaniaque. Le voici.

Notes :

1. Notez que dans l’article je dis tout le temps « 24h », parce qu’écrire en imposant ce format m’amusait. En vrai, vous pouvez le faire en 3 x 8h évidemment. ↩︎
2. En parlant d’attention soutenue, ce qui marche bien pour moi, c’est d’utiliser un reflex. C’est un format que j’aime bien utiliser, mais aussi parce qu’on ne voit pas directement les images qu’on prend. Du coup, je me retrouve à vérifier plus souvent mes cadrages, réglages et composition a posteriori. Ce qui, paradoxalement, me permet d’être plus concentré sur mes images. ↩︎
3. Evidement à ce sujet vous pouvez lire cet article. ↩︎