De Monet à Man Ray : L’Évolution de la Photo Abstraite

Salut ! C’est Julia Guérin et pour célébrer 2025, on part à la (re)découverte de la photographie impressionniste, un style qui mêle art et technique pour capturer l'éphémère, les jeux de lumière et les impressions fugaces.

📌 Plan de la vidéo :

00:00 Remerciements
01:02 Introduction
03:51 Naissance de l'impressionnisme
05:14 Le surréalisme
08:22 Pictorialisme : Précurseur de l’impressionnisme en photographie.
13:37 André Naggar
16:44 Pep Ventosa
21:02 Conclusion

🔝 Et si cette vidéo vous a plu, n'hésitez pas à liker, commenter et vous abonner pour plus de contenu ! Merci d'avoir regardé et à bientôt ! ✌️

🔵 Pour approfondir le sujet

• Photographions-nous la RÉALITÉ ? :

• Photographes, vous ne voyez pas la réalité :

• Photo surréaliste :

• https://wallpepper.fr/pictorialisme/
• https://www.pepventosa.com/

📣 Ma formation avec @Apprendre-Photo pour apprendre le portrait en lumière naturelle :

https://urlr.me/3z4tf

🔵 Suivez-moi sur les réseaux sociaux :
• Instagram : https://www.instagram.com/_juliaguerin_/
• Site :

https://www.juliaguerin.fr/
• Blog :

https://www.juliaguerin.fr/blog

Ecriture et montage : Julia Guérin

c'est le premier club de l'année 2025 bonjour à tous c'est Julia Guérin et je suis super contente de vous retrouver pour cette première vidéo de 2025 sur la chaîne de Thomas j'espère pour celles et ceux qui fêtent Noël que vous avez passé de bons moments avec vos proches que vous avez été gâté que vous avez bien mangé que vous avez aussi célébré la nouvelle année de mon côté tout s'est bien passé et avant de commencer cette vidéo sur un sujet qui n'a pas encore été abordé sur la chaîne j'avais envie de vous remercier pour votre engouement sur la vidéo concernant les photographes donc faux fauxx photographe donc les arnaqueurs et les agresseurs en photo c'est un sujet qui me tenait vraiment à cœur contre lequel je lutte au quotidien dans ma pratique photo je savais pas si ça allait vous plaire ou en tout cas plaire est peut-être pas le bon mot mais vous intéressz et vous marquez vous impacctez autant que moi je crois que oui elle a été beaucoup partagée vous avez beaucoup commenté en message privé sur insta sur la chaîne directement bref merci beaucoup parce que j'avais pas eu l'occasion de le faire étant donné que je n'ai pas tourné depuis 6 mois donc je redémarre aujourd'hui sur leschapeau de roue pour vous parler de la photographie comme l'échappatoire à la réalité c'est quand la première fois que la photo a voulu nous montrer autre chose que la réalité bah justement j'avais envie de vous parler de ça de la photo abstraite celle qu'on utilise comme un échappatoire à la réalité bref la photo qui nous fait nous questionner sur le sens d'une image et bien plus encore je trouve que l'été dernier donc l'été 2024 la photo impressionniste a été pas mal mise en avant elle a tiit pas mal de regards alors qu'en fait je trouve que personne n avait vraiment parlé avant ou en tout cas qu'elle avait été peut-être mise sous le tapis ou oublié pourtant le mouvement imprésonné c'est vraiment mon préféré en peinture alors c'est peut-être pas très original mais ça me fait vibrer et je me suis demandé pourquoi j'en avais pas entendu parler plutôt du côté de la photographie et pourquoi j'avais mis autant de temps à m'y intéresser donc ce que je vous propose aujourd'hui c'est qu'on va parler de cette fameuse photo impressionnisme on va voir si c'est un véritable courant artistique en photo comme pour la peinture ou pas et euh on va en parler comme d'un échappatoire à la réalité donc peu de temps après l'invention de la photographie donc en 1839 à l'instar des peintres les photographes ont rapidement voulu expérimenter les possibilités et les limites de ce médium là où les photographes ont cherché à représenter au début la réalité avec ce médium comme pour la peinture ils ont voulu rapidement se détacher et sortir du cadre à repousser les limites finalement de la photographie apportons déjà un petit peu de contexte historique à tout ça peu de temps après l'invention de la photographie en 1839 à l'instar des peintres les photographes ont rapidement voulu expérimenter les possibilités et les limites du médium là où au départ ils cherchaient à représenter la réalité ils ont voulu sortir du cadre finalement comme en peinture donc les photographes ont progressivement détourner l'utilisation de la photo pour obtenir des images plus abstraites parce que après tout la photographie ne capture qu'un instant figé d'un moment vécu une fraction de seconde de vie ou d'absence de vie donc si la peinture a a réussi à se libérer de ce carcan réaliste pourquoi la photographie n'aurait-elle pas pu en faire autant et puis déjà on a en droit de se demander si par nature la photographie ne nous prive pas déjà de cette représentation parfaite de la réalité par exemple une photo en noir et blanc bah elle enlève les couleurs alors que la réalité est en couleur et puis qu'est-ce que la représentation des couleurs selon les individus quant aux photographie en couleur et bien il y a forcément des choix artistique en terme de contraste de lumière de pellicues de traitement de post-traitement et cetera donc ce ne sera jamais une présentation parfaite de la réalité puisque philosophiquement parlant de toute façon il y a autant de réalité que d'individus si ça vous intéresse d'approfondir un petit peu cette notion là je vous mettrai soit en description soit dans des liens dans ce coin-là les vidéos de Thomas sur le sujet il approfondit beaucoup plus les choses et là on n pas le temps parce qu'on va trop dévier du sujet sinon et la vidéo va faire 5h je vous propose de revenir légèrement en arrière pour aborder le mouvement impressionniste en peinture très rapidement promis donc en fait ce mouvement il repose sur la volonté de adapter la lumière naturelle à différents instants les artistes ne cherchent pas nécessairement à produire une représentation fidèle d'un paysage d'une scène mais plutôt à le saisir sur le vif l'impression est esquissée elle est inachevée afin de rendre la fugacité de la vie moderne et d'ailleurs ce mouvement impressionniste il la remet dans le contexte de l'effervescence de la révolution industrielle dans les années 1860 dans le mouvement de la peinture impressionniste on va bien sûr inclure les fondateurs Mony cicel Renoir ou encore Pissaro pour ne citer queux d'ailleurs je vous recommande un le musée d'orsé qui est incroyable et qui moi me prend au trip à chaque fois que j'y vaisf dont les photographes ont voulu bien plus tard s'approprier les codes du mouvement pour leur propre réalisation il y a plus de 100 ans d'écart qui sépareent la peinture et les photos impressionniste rappelons-le la photographie moderne a été inventée en 1839 le mouvement de la peinture impressionniste dans les années 1860 et la photo impressioniste est apparu à la fin du 20e siècle plus ou moins dans les années 1980-90 donc c'est he de se demander pourquoi la photo impressionniste a attendu autant de temps avant d'émerger et surtout de trouver étonnant qu'il n'y ait pas eu quelques tentatif plutôt c'est donc avec des questionnements qui s'accumulent que je vous propose d'avancer un petit peu dans le temps jusqu' dans les années 1920 moment où manery forme le premier noyau dur de la photographie surréaliste à Paris et oui je dis bien surréaliste et pas impressionniste vous allez voir pourquoi le mouvement surréaliste il était à son paroxisme entre 1924 et 1959 à peu près et il se définit en photographie comme un peinture par un refus de la logique et de la raison il préfère libérer son inconscient ses phobies ses désirs ses rêves réprimés André Breton qui est auteur et chef de fil du mouvement qui précise dans le premier manifeste du surréalisme publié en 1924 qu'il s'agit d'un automatisme psychique pur par lequel on se propose d'exprimer le fonctionnement de la pensée en l'absence de tout contrôle exercé par la raison de sorte que le spectateur peut observer des œuvres hors des sentiers battus de la rigidité académique bon euh alors ça fait beaucoup de choses mais on va approfondir un petit peu ça si on prend le mouvement sur la liste en peinture parmi les peintres phares de ce milieu on peut citer René magrd Salvator Dali qui d'ailleurs a aussi fait des photos et j'en ai parlé sur la vidéo ça va trop loin parmi les autres peintres surréalistes on a Joan Miro ou ran Miro pardon pour la prononciation max hernz k sage ou encore Victor Browner bon désolé pour les prononciations ça dépend de leur nationalité vous m'avez compris de toute façon donc pour les peintres bah sont méga connus donc je suis pas sûr de vous apprendre grand-chose sur ce sujet par contre vous connaissez peut-être un petit peu moins les photographes surréaliste ou en tout cas peut-être que vous ne les associez pas à ce mouvement là parmi ces photographes surréalistes on a manery brassaille André cartez Lee Miller doramar Germaine crull Claude Kin Jacques André boisfard et encore et toujours notre cher et bien-aimé Henry quartier Bresson particulièrement avant d'entrer à l'agence Magnum donc je vous mets les exemples à l'écran donc tout comme les p pour ces artistes ces photographes la photo surréaliste a pour but de sortir de la réalité ils veulent montrer un pan imaginaire de nos existences mettre en image des pensées ou des rêves ou encore démontrer que la photographie n'est pas le reflet de notre réalité mais simplement un bout de celle-ci donc un petit peu comme je vous l'aiexliqué tout à l'heure ce qui est intéressant c'est que les acteurs de ce mouvement ont utilisé des méthodes diverses pour parvenir à leur fin le cadrage et l'orientation de la photo par exemple comme moyen de tromper la réalité la superposition par collage par accumulation d'image des jeux de reflets d'ombre de lumière la composition d'une scène volontairement absurde ou décalée ou encore des méthodes de production spécifiques comme la solarisation il y a aussi le brûlage et le riogramme mais là on rentre un petit peu trop dans les détails techniques donc je vous propose d'enchaîner et donc même s'il y a beaucoup de moyens pour faire sortir la photographie de la réalité brute on est encore loin avec ce mouvement suraliste de la photo impressionniste et justement on a quelques surréalistes des années 1920 qui ont exploré des approches novatrice autant en peinture qu'en photographie mais malheureusement la photographie impressionniste semble ne pas avoir trouvé sa place ni à cette époque ni plutôt les photographes étaient je pense davantage préoccupés par la précision et la clarté des images et la photographie impressionniste qui nécessitait des techniques plus subtiles plus subjectives n'était peut-être pas encore pleinement valorisé à l'époque on a quand même certaines expérimentation photographi qui sont issues du mouvement pictorialiste cette fois-ci qui peuvent être considérés comme les précurseurs à partir de la fin du 19e siècle on a des photographes qui ont utilisé des techniques pour adoucir pour flouter les images créant ainsi des effets atmosphérique qui rappelle vraiment l'impressionnisme en photo couleur mis à part en fait l'idée d'une photo purement impressionniste qui vise à capturer l'essence plutôt que la réalité précise n'a vraiment pris forme qu'avec l'avènement des technologies et une plus grande liberté artistique au courant du 20e siècle malgré tout on peut quand même parler d'un instigateur de celui qui a créé un point de bascule entre réalité et irréalité en photo celui qui quelque part est le précurseur du mouvement impressionniste qui prendra son envol des décennies plus tard j'ai nommé Alfred Stiglitz donc Stiglitz est l'un des photographes pictorialistes les plus influents de son époque le pictorialisme est la première école photo considérée comme artistique notamment grâce à ce photographe contrairement au surréalisme et à l'impressionnisme ce mouvement n'existe que pour la photo et non pour la peinture le pictorialisme a été avant tout mis en avant dans l'essai de euh qu'est-ce que tu fais donc le pictorialisme a été mis en avant dans l'essai de roberern laassiseran la photographie est-elle en art publiée en 1889 cet écrit est devenu l'un des écrits fondateurs du mouvement pictorialiste développé jusqu'en 1914 environ donc jusqu'à la guerre en fait et juste avant les sorts du surréalisme en voyant les quelques exemples que je vous mets à l'écran vous trouverez sans doute une ressemblance avec les gravure à l'eau forte et c'est entièrement normal puisque c'était l'objectif de ce courant photo en voulant donner à la photographie un statut artistique équivalent à celui de la peinture les photographes employaient des techniques telles que bah le flou une utilisation particulière de la chambre noire du papier spécifique et cetera et cetera tout ça ça permettait d'avoir un rendu unique qu'on avait pas encore vu en photographie et donc même si Stiglitz est le fondateur de ce mouvement pictorialiste en photo on retrouve à ses côtés d'autres photographes très importants qui ont marqué ce mouvement Edward station proche de sttiglitz station est connu donc pour ses expérimentations avec la lumière les textures créant des photographies qui évoquent des émotions et des ambiances subtiles plutôt que de simples enregistrements visuels Stationen et Stiglitz ont d'ailleurs fait partie des membres phares de la revue Camera Work une des premières revues photos de New York on a aussi Gertrud kebear il y a aucun nom de photographe qui est facile à prononcer dans cette vidéo c'est un enfer pour moi mais en tout cas Gertrude keisbear elle est pionnière du pictorialisme elle est reconnue pour ses portraits qui capturent l'essence et l'atmosphère du sujet plutôt que de simple détails physiques son travail reflète vraiment une sensibilité artistique proche de celle des impressions e en peinture on a aussi Robert de magie qui est un photographe français maître dans les techniques de manipulation l'image avec le bremoil et la gomme bicromatée qui lui permettent de produire des images aux qualité pictural il y a également constant puyot qui est aussi un photographe français qui a également exploré des techniques qui permettent de rendre les photographies plus artistiques en insistant sur les effets de la lumière et des textures douces les mouvements pictorialistes et impressionniste se retrouent dans le désir de donner un aspect pictural à la photographie à travers une vision plus objective un refus de la réalité et l'envie de retranscrire des sensations mais comme j'ai fait plusieurs voyages dans le temps je vous propose de résumer en peinture on a donc dans l'ordre les impressionnistes au 19e siècle avec monnaie et compagnie puis on a le surréalisme à partir du début 20e donc 1920 à peu près avec plein d'autres mouvements artistiques entre les deux alors qu'en photo on a d'abord le pictorialisme qui n'existe pas en peinture à la fin du 19e et début 20e puis le surréalisme qui enchaîne ensuite jusqu'à la 2è moitié du 20e et enfin on a l'impressionniste en photographie qui n'arrive qu'à la fin du 20e siècle donc fin des années 1900 autour de 1980 1990 du coup pourquoi euh l'impressionnisme n'est mis à l'honneur que maintenant en photographie en tout cas que très récemment si l'impressionnisme en photographie n'est pas apparu plus tôt c'est sans doute et notamment parce que c'est un mouvement qui est très coloré donc c'est probable que la photographie impressionnisme n'est vraiment pu se développer qu'après la reconnaissance de la photographie couleur en tant carart et surtout qu'après accès facilité à celle-ci parce que oui en fait la couleur en photographie est apparue aux alentours de 1850- 1860 mais son adoption artistique sérieuse a été vraiment très lente on a l'introduction du kodach chrome en 1936 qui a marqué un tournant en la popularisant mais c'est qu'à partir des années 1950 que la photocouleur a été prise au sérieux ou en tout cas a commencé à l'être et une fois que la photographie couleur a été établie en tant que car c'est à partir de là que les photographes reconnus ont pu expérimenter plus librement des techniques impressionnistes en utilisant la couleur pour évoquer des ambiances des atmosphères des émotions et cetera comme les peintres impressionnistes et en fait c'est cette liberté de mouvement qui est nouvelle qui a été combinée à l'évolution des techniques photographiques et à l'acceptation plus large de la photographie comme forme d'art qui a permis à cette dernière à l'impressionniste de réellement prendre son envol donc vous l'aurez compris c'est un style c'est un mouvement photo qui est très récent qui a on va dire une trentaine quarantaine d'années grand max et il y a encore peu d'information sur ce sujet en comparaison aux autres mouvements pour autant je vais quand même vous présenter des travaux de deux artistes qui le représentent plutôt bien André Nagar c'est un photographe qui est d'origine égyptienne dont le travail et la trajectoire de vie sont assez peu connu du grand public mais qui est extrêmement respecté dans le cercle de la photographie d'art pour résumer sa vie Nagar il est né au cur en 1924 donc au moment de l' sorts du surréalisme et durant sa jeunèse il a fait ses études à Paris en tant qu'ingénieur donc pendant ses études ils sont installe définitivement à Paris et en fait il va se découvrir une véritable passion pour la photo il commence à la pratiquer en tant qu'amateur il est pas mal influencé par la scène artistique parisienne il va trouver que la photographie c'est un véritable moyen d'expression personnelle mais c'est aussi une façon d'interroger le monde et son existence et du coup André Nagar qu'est-ce qu'il fait il débute sa carrière photo de manière vraiment plus formelle dans les années 50 en tant qu'autodidacte son approche de la photo elle était pas strictement technique mais beaucoup plus philosophique et artistique la majorité de ces uvres elles sont réalisées en noir et blanc c'est un choix délibéré pour se concentrer sur la composition la lumière et l'atmosphère plutôt que sur la distraction des couleurs et ce choix permet aussi de mieux capter les émotions et les textures alors oui les impressionnistes c'est de la couleur mais laissez-moi continuer l'ombre et la lumière ell jouent vraiment un rôle crucial dans son œuvre et la lumière est souvent très douce très naturelle elle capture des moments fugaces tandis que l'ombre devient une métaphore de l'absence ou de la contemplation donc il y a une grande partie de son travail qui se concentre sur les scènes urbaines principalement à Paris puisque c'est là qu'il vit et justement il va photographier la ville comme un espace à la fois poétique et mélancolique où chacun peut devenir vraiment une méditation visuelle sur le temps et l'espace il va aussi préférer les cadrages plus intimistes des cadrages serrées des compositions minimalistes jouant avec les ombres et les formes géométriques pour créer des images à la fois simples et complexes il joue beaucoup sur les lignes les formes architecturales et les espaces vides ce qui donne vraiment une dimension introspective à ses photographies les paysages gerains sont vraiment au cœur de son œuvre mais il s'intéresse aussi à la figure humaine il va photographier souvent des personnes dans un contexte du quotidien mais avec une certaine distance comme si il cherchait à capturer des fragments vie en toute discrétion et c'est à partir des années 1970 qu'il va commencer à expérimenter avec des techniques photographiques pour créer des images plus abstraites il joue avec des procédés de sumpression ou d'expositions multiples ouvrant la voix à des œuvres plus introspectives et mystérieuses et c'est dans les années 1980 qu'on en arrive progressivement au sujet qui nous intéresse à ce moment-là on retrouve parmi les inspirations de Nagar la photographie humaniste avec les travaux de duano de Ricard Bresson et willlly Ronis par exemple la poésie parce que Naga est un grand admirateur de la poésie ça a transparaît dans ses photographies et la philosophie existentielle qui est retranscrite dans son œuvre par des thèmes tels que l'isolement l'étrangeté du quotidien ou la solitude et évidemment on va retrouver le surralisme dans lequel Naga retrouve un aspect onirique qu'il reproduit dans ses photos avec des œuvres plus tardifes André Nagar il explore donc à la fois l'absurdité ou l'étrangeté de la vie urbaine ce qui rappelle des éléments surréalistes durant toute sa vie toute son œuvre on retrouve vraiment les inspirations du mouvement impressionniste et enfin le second photographe dont je voulais vous parler aujourd'hui qui m'a paru pertinent pour cette vidéo c'est Pep Ventosa Pep Ventosa c'est un photographe catalan contemporain né à Barcelone dans les années 1950 il se distingue rapidement en tant qu'artiste pour sa capacité à déconstruire et reconstruire des images ce qui offre du coup une expérience visuelle assez innovante ces techniques créatives elles sont même enseignées dans des programmes de formation en photographie donc il paraît hein je pas aller vérifier dans tous les programmes photos d'Europe mais en tout cas le H poost agriculture le présente vraiment comme un artiste qui transforme des photographies en images il remet en question l'idée selon laquelle une photographie ne peut capturer qu'un instant précis dans le temps la technique de Ventosa elle permet non seulement de créer une image visuellement frappante mais aussi de réexaminer le médium photographique en lui-même il va déconstruire et reconstruire des images photos pour interroger ce que nous voyons et comment nous le voyons ce qui est en fait le principe de l'impressionnisme PEM Ventosa il a développé un style assez distinctif basé sur un assemblage de multiples images d'un même sujet souvent des paysages urbains ou des monuments emblématiques pour créer une seule œuvre composite son approche la plus célèbre c'est vraiment celle qui s'appelle collective snapshot l'instantané collectif en français ou il va superposer plusieurs clichés d' le même lieu dans le même objet pour engréer une représentation abstraite cette représentation va évoquer une mémoire collective qui est plus qu'une simple captation visuelle ce travail a été d'ailleurs largement salué pour sa capacité à réinventer la perception des lieux familiers en transformant des sites touristiques tels que la tour eel ou le pont de Brooklyn en œuvre quasi picturale il a aussi exploré d'autres séries et procédés photographique notamment lors de la réalisation de sa série tree in the round il va photographier des arbres en tout autour d'eux il va capturer des images qu'il superposent les unes aux autres toujours le même principe le même procédé pour créer des représentations presque circulaires de ses sujets naturels le travail de Ventosa il a été exposé vraiment à l'international et il continue d'influencer de nombreux artistes contemporains avec cette technique novatrice il a bien sûr travaillé donc sur plusieurs autres projets et séries toujours dans l'idée d'une association de plusieurs images entre elles je vous invite notamment à découvrir art magntic film ou encore alors là je vais le dire en français travaux reconstitués dans laquelle il va réaliser des paysages urbains en faisant des sortes de patchwork avec des images qu'il superpose à nouveau pour constituer une vision connue donc voilà pour l'impressionnisme en photo j'espère que cette vidéo vous a plu merci beaucoup de l'avoir regardé j'avais vraiment envie d'aborder ce sujet de l'influence de la peinture sur la photographie ça a été assez compliqué pour moi de faire des choix parce que je voulais pas aborder quelque chose de manière chronologique il y a vraiment trop d'alleretour entre la peinture entre la photo entre les différents artistes pour que je puisse en faire une prise chronologique mais en tout cas ça démontre montre bien que les frontières sont vraiment très poureuses entre les et justement c'est cette perméabilité qui permet l'émergence de nouvelles idées et qui fait évoluer les technique et qui nous pousse constamment à innover et à expérimenter davantage si vous voulez que j'approfondisse le sujet ou certains mouvements photo n'hésitez pas à me le signaler je peux aussi aborder la vie de certains artistes que j'ai pu aborder aujourd'hui ici plus en détail merci aussi beaucoup pour l'année 2024 qui vient de s'écouler c'était ma première apparition sur Youtube et vous avez été vraiment encourageant sur la globalité des vidéos que j'ai abordé quels que soi les sujets que j'ai pu aborder puisque j'ai abordé des sujets plutôt côté photographie professionnelle j'ai aussi bien sûr gardé ce côté artistique comme aujourd'hui culturel en tout cas comme aujourd'hui merci beaucoup j'espère que les vidéos 2025 vous plairont et j'espère que je pourrai aller encore plus loin dans les sujets que je vais traiter si vous tenez à me soutenir à soutenir Thomas et ben n'hésitez pas à commenter à lâcher un pouce bleu à vous abonner et bah si vous voulez continuer à entendre ma douce voix il y a plein de vidéos sur la chaîne de Thomas et j'ai aussi ma formation dédiée au portrait en lumière naturelle qui est disponible chez Laurent Brya sur le site formation. photo merci encore et bah à [Musique] plus I

# Idée titre :
De Monet à Man Ray : L’Évolution de la Photo Abstraite
# Notes

Sources :

Les principaux courants et mouvements artistiques

Surréalisme, Expressionnisme et Abstraction

https://www.20minutes.fr/paris/diaporama-15064-photo-1143384-150-ans-de-la-commune-de-paris-les-premieres-photographies-d-une-ville-barricadee
Photo surréaliste

https://www.centrepompidou.fr/media/document/f9/57/f9573cfb6562214f1a786d02cc336b2d/normal.pdf
https://wallpepper.fr/pictorialisme/
Pep Ventosa :
https://fr.lumas.com/artist/pep_ventosa/
https://www.pepventosa.com/
(refocus-awards) (My Modern Met) (Pep Ventosa).
# Script V1
C’est quand la première fois que la photo a voulu montrer autre chose que la réalité ?
Salut ! C’est Julia et aujourd’hui j’avais envie de parler de la photo abstraite, celle qu’on utilise comme échappatoire à la réalité, bref ! La photo qui nous fait nous questionner sur le sens d’une image et bien plus encore.
Cet été je crois, la photo impressionniste a pas mal attiré le sregards (mettre des exemples Hozzography / Amen.Tree ) alors que personne n’en parlais vraiment avant. Le mouvement impressionniste étant mon préféré en peinture, je me suis demandé pourquoi je n’en avais pas vraiment entendu parler plus tôt et surtout, pourquoi j’avais mis autant de temps à m’y intéresser.
Aujourd’hui donc, nous allons voir ce qu’est vraiment la photo impressionniste, d’où elle vient et même avant ça, si c’est un véritable courant artistique en photo comme pour la peinture, ou pas.
## La photographie comme échappatoire à la réalité
Avant toute chose, il est important de souligner que la photographie “abstraite” n’est pas apparue en même temps que la photographie impressionniste qui est beaucoup plus récente.
Peu de temps après l’invention de la photographie (1839), à l’instar des peintres, les photographes ont rapidement voulu expérimenter les possibilités et limites du medium. Là où au départ ils cherchaient à photographier la réalité (à nouveau comme la peinture)
ils ont progressivement détourné l’utilisation de la photo pour obtenir des images plus abstraites.
Après tout, la photographie ne capture qu'un instant figé d’un moment vécu, une fraction de seconde de vie ou d'absence de vie. Si la peinture a réussi à se libérer de ce carcan réaliste, pourquoi la photographie ne pourrait-elle pas en faire autant ?
D’ailleurs, est-ce que par nature, ce n’est pas déjà un peu le cas ? Une photo en noir et blanc prive la réalité de ses couleurs, tandis qu'une photo en couleur reflète les choix de l’artiste en matière de lumière, de pellicule, de traitement ou de post-traitement. Sans oublier le cadrage, qui ne montre qu'une partie de la scène photographiée, ou encore la composition et l'angle choisis par l’artiste. Et qu’est-ce que la réalité, au fond ? Puisque nous ne la percevons pas tous de la même façon, une photo peut-elle par essence, montrer la réalité ? Pour ne pas trop m’égarer du sujet, je vous invite à écouter les deux vidéos que Thomas avait faites sur le sujet. Les liens seront en description.


## La photo surréaliste
C’est donc avec des questionnements qui s’accumulent que nous allons nous rendre des les années 1920, moment où Man Ray forme le premier noyau dur de la photographie surréaliste à Paris. Et oui surréaliste, et non impressionniste.
### Surréalisme (1924-1959)
Le surréalisme, en photo comme en peinture, se définit par “ un refus de la logique et de la raison. Il préfère libérer son inconscient ; ses phobies, ses désirs, ses rêves réprimés.
André Breton, auteur et chef de file du mouvement, précise dans le premier « Manifeste du Surréalisme » publié en 1924 qu’il s’agit d’un « automatisme psychique pur, par lequel on se propose d’exprimer (…) le fonctionnement de la pensée, en l’absence de tout contrôle exercé par la raison » de sorte que le spectateur peut observer des oeuvres hors des sentiers battues de la rigidité académique.
Parmi les peintres phares de ce milieu on peut citer : René Magritte, Salvador Dali (qui a aussi fait des photos), Joan Mirò, Max Ernst, Kay Sage ou encore Victor Brauner … Exemple de peinture surréaliste/artiste
Quant aux photographes surréalistes, on compte parmi eux Man Ray, Brassaï, André Kertész, Lee Miller, Dora maar, Germaine Krull, Claude Cahun, Jacques-André Boiffard et encore et encore et toujours notre cher HCB préféré particulièrement avant d’entrer dans l’agence Magnum Exemple de photo surréaliste/artiste
Tout comme les peintres, pour ces artistes, la photo surréaliste a pour but de sortir de la réalité, montrer un pan imaginaire de nos existences, mettre en image des pensées ou des rêves ou encore démontrer que la photographie n’est pas le reflet de notre réalité mais simplement un bout de celle-ci. Ce qui est intéressant, c’est que les acteurs de ce mouvement ont utilisé des méthodes diverses pour parvenir leurs fins :
– Le cadrage et l’orientation de la photo comme moyen de tromper la réalité
– La superposition par collage ou par accumulation d’images
– Des jeux de reflets, d’ombre et de lumière
– La composition d’une scène volontairement absurde ou décalée
– Des méthodes de productions spécifiques comme la solarisation, le brûlage ou encore les rayogrammes
Tant de possibilités qui, encore utilisées aujourd’hui pour certaines, nous offrent des spectacles visuels dont on ne se lasse pas.
Pour autant, on est très loin du rendu impressionniste.
## La photo impressionniste
### Impressionnisme 
Remontons un peu dans le temps.
Même générique The Bigbang théorie ?
Le mouvement impressionnisme repose sur la volonté de capter la lumière naturelle à différents instants. Les artistes ne cherchent pas nécessairement à produire une représentation fidèle d’un paysage ou d’une scène, mais plutôt à saisir sur le vif. L’impression est esquissée, inachevée, afin de rendre la fugacité de la vie moderne. L’impressionnisme est d’ailleurs à remettre dans le contexte de l’effervescence de la révolution industrielle dans les années 1860.
Dans le mouvement de la peinture impressionniste, on inclut évidemment ses fondateurs Monet, Sisley, Renoir ou encore Pissaro pour ne citer qu’eux, dont les photographes ont voulu bien plus tard s’approprier les codes du mouvement. Contrairement au surréalisme qui est apparu en même temps en peinture et en photo, il y a plus de 100 ans qui séparent les peinture et les photos impressionnistes.
Metrte des exemples de peintres
Rappelons-le, la photographie moderne a été inventée en 1839, le mouvement de la peinture impressionniste dans les années 1860 et la photo impressionniste est apparue à la fin du XXème siècle (plus ou moins dans les année 1980-90).
C’est assez légitime de se demander pourquoi la photo impressionniste a attendu autant de temps avant d’émerger et surtout de trouver étonnant qu’il n’y ait pas eu quelques tentatives plus tôt.
Et effectivement, quelques surréalistes des années 1920 ont exploré des approches novatrices autant en peinture qu’en photographie. Mais malheureusement, la photographie impressionniste semble ne pas avoir trouvé sa place ni à cette époque, ni plus tôt. Les photographes étaient davantage préoccupés par la précision et la clarté des images, et la photographie impressionniste nécessitait des techniques plus subtiles et subjectives qui n'étaient peut-être pas encore pleinement valorisées à l’époque.
Cependant, ne baissons pas les bras ! Certaines expérimentations photographiques issues du pictorialismes peuvent être considérées comme les précurseuses à partir de la fin du XIXe siècle . Des photographes ont utilisé des techniques pour adoucir et flouter les images, créant ainsi des effets atmosphériques qui rappellent l'impressionnisme en peinture, couleur mise à part. Mais l'idée d'une photo purement impressionniste, visant à capturer l'essence plutôt que la réalité précise, n'a vraiment pris forme qu'avec l'avènement de nouvelles technologies et une plus grande liberté artistique au cours du XXe siècle. Je sais que ça peut sembler surprenant, mais ça s'explique notamment par les priorités techniques et artistiques de chaque époque.
On peut tout de même parler d’un instigateur, celui qui a créé un point de bascule entre réalité et irréalité en photo, celui qui, quelque part, est le précurseur du mouvement impressionniste qui prendra son envol des décennies plus tard : Alfred Stieglitz (1864-1946).
## Pictorialisme (1889 – 1914)
Stieglitz est l'un des photographes pictorialistes les plus influents.
Le pictorialisme est la première école photo considérée comme artistique. Contrairement au surréalisme et à l’impressionnisme, ce mouvement n’existe que pour la photo et non pour la peinture. Le pictorialisme a été mis en avant dans l’essai de Robert de la Sizeranne, La photographie est-elle un art ? publié en 1889. Cet écrit est devenu l’un des écrits fondateurs du mouvement pictorialiste développé jusqu’en 1914 environ (jusqu’à la guerre), juste avant l’essor du surréalisme.
En voyant les quelques exemples que je vous mets à l’écran, vous trouverez sans doute une ressemblance avec les gravures à l’eau forte et c’est entièrement normal puisque c’était l’objectif de ce courant photo. En voulant donner à la photographie un statut artistique équivalent à celui de la peinture, les photographes employaient des techniques telles que le flou, une utilisation particulière de la chambre noire, du papier spécifique etc. ce qui permettait d’avoir ce rendu si unique.
Mettre des exemples de Stieglitz
Aux côtés de Stieglitz, on retrouve d’autres photographes importants du mouvement pictorialiste :
– Edward Steichen (1879-1973) : Proche de Stieglitz, Steichen est connu pour ses expérimentations avec la lumière et les textures, créant des photographies qui évoquent des émotions et des ambiances subtiles, plutôt que de simples enregistrements visuels.
Steichen et Stieglitz ont d’ailleurs fait partie des membres phares de la Revue Camera Work, une des premières revues photos de NYC
– Gertrude Käsebier (1852-1934) : Pionnière du pictorialisme, elle est reconnue pour ses portraits qui capturent l'essence et l'atmosphère du sujet plutôt que de simples détails physiques. Son travail reflète une sensibilité artistique proche de celle des impressionnistes en peinture. Mettre des exemples
– Robert Demachy (1859-1936) : Photographe français, maître des techniques de manipulation de l'image, telles que le bromoil et la gomme bichromatée, qui lui permettaient de produire des images aux qualités picturales, Mettre des exemples
– Constant Puyo (1857-1933) : un autre photographe français, qui a également exploré des techniques permettant de rendre les photographies plus artistiques, en insistant sur l'effet de la lumière et les textures douces. Mettre des exemples
Les mouvements pictorialiste et impressionniste se retrouvent dans le désir de donner un aspect pictural à la photographie, à travers une vision plus subjective, un refus de la réalité et l’envie de retranscrire des sensations.
Donc résumons :
– En peinture nous avons dans l’ordre : l’impressionnisme (XIXème), puis le surréalisme (XXème) avec plein d’autres mouvements artistiques entre les deux
– Alors qu’en photo nous avons eu le pictorialisme fin XIXème – début XXème, le surréalisme début XXème-moitié XXème puis l’impressionnisme à la fin du XXème
# AUTRE PROPAL DE SCRIPT
## La photographie comme échappatoire à la réalité
Avant toute chose, il est important de souligner que la photographie “abstraite” n’est pas apparue en même temps que la photographie impressionniste qui est beaucoup plus récente.
Peu de temps après l’invention de la photographie (1839), à l’instar des peintres, les photographes ont rapidement voulu expérimenter les possibilités et limites du medium. Là où au départ ils cherchaient à photographier la réalité (à nouveau comme la peinture)
ils ont progressivement détourné l’utilisation de la photo pour obtenir des images plus abstraites.
Après tout, la photographie ne capture qu'un instant figé d’un moment vécu, une fraction de seconde de vie ou même d'absence de vie. Si la peinture a réussi à se libérer de ce carcan réaliste, pourquoi la photographie ne pourrait-elle pas en faire de même ?
Et n'est-ce pas déjà un peu le cas ? Une photo en noir et blanc prive la réalité de ses couleurs, tandis qu'une photo en couleur reflète les choix de l’artiste en matière de lumière, de pellicule, de traitement ou de post-traitement. Sans oublier le cadrage, qui ne montre qu'une partie de la scène photographiée, ou encore la composition et l'angle choisis par l’artiste. Et qu’est-ce que la réalité, au fond ? La percevons-nous tous de la même manière ? Plutôt que de m'étendre davantage sur la question, je vous renvoie aux deux vidéos de Thomas sur le sujet (les liens seront en description).
### Entremêlement de l’impressionnisme & du pictorialisme
Peu de temps après l’apparition de la photographie, c’est au tour du mouvement impressionniste d’émergé dans les années 1860 du côté de la peinture.
L’impressionnisme repose sur la volonté de capter la lumière naturelle à différents instants. Les artistes ne cherchent pas nécessairement à produire une représentation fidèle d’un paysage ou d’une scène, mais plutôt à saisir sur le vif. L’impression est esquissée, inachevée, afin de rendre la fugacité de la vie moderne. À ce propos, l’impressionnisme est à remettre dans le contexte de l’effervescence de la révolution industrielle dans les années 1860.
Ce mouvement est notamment représenté par les éminents Monet, Manet, Sisley, Renoir, Pissaro ou encore Caillebotte pour ne citer qu’eux. À le suite de leurs travaux, la photographie a voulu s’approprier les codes de ce mouvement. Mais attention, c’est arriver biiien plus tard. On pourrait même parler d’un siècle de décalage
Metrte des exemples de peintres en même temps que les noms des peintres
Mais alors, qu’est-ce qu’il s’est passé en 100 ans ? Est-ce que les photographes ont végété ? Evidemment que non.
Au tournant du XXème siècle, on voit apparaitre certaines expérimentations photographique qui vont lancer le mouvement pictorialiste.
Le pictorialisme est la première école photo considérée comme artistique. Contrairement au surréalisme et à l’impressionnisme, ce mouvement n’existe que pour la photo et non pour la peinture. Le pictorialisme a été mise en avant dans l’essai de Robert de la Sizeranne, La photographie est-elle un art ? (publié en 1889), celui-ci étant devenu l’un des écrits fondateurs du mouvement développé jusqu’en 1914 environ (jusqu’à la guerre), juste avant l’essor du surréalisme.
Ces pictorialistes donc utilisaient des techniques pour adoucir et flouter les images, créant ainsi des effets atmosphériques. Celui qui semble être l’instigateur du mouvement pictorialiste, ou en tout cas le plus influent est Alfred Stieglitz (1864-1946)
En voyant les quelques exemples que je vous mets à l’écran, vous trouverez sans doute une ressemblance avec les gravures à l’eau forte de l’époque et c’est entièrement normal puisque c’était l’objectif de ce courant photo. En voulant donner à la photographie un statut artistique équivalent à celui de la peinture, les photographes employaient des techniques telles que le flou, une utilisation particulière de la chambre noire, du papier très spécial etc. ce qui permettait d’avoir ce rendu si spécifique.
Mettre des exemples de Stieglitz
Parmi les photographes importants du mouvement pictorialiste, on retrouve aux côtés de Stieglitz :
– Edward Steichen (1879-1973) : Collaborateur proche de Stieglitz, Steichen est connu pour ses expérimentations avec la lumière et les textures, créant des photographies qui évoquent des émotions et des ambiances subtiles, plutôt que de simples enregistrements visuels. Mettre des exemples
Steichen et Stieglitz ont d’ailleurs fait partie des membres phares de la Revue Camera Work.
– Gertrude Käsebier (1852-1934) : Pionnière du pictorialisme, elle est reconnue pour ses portraits qui capturent l'essence et l'atmosphère du sujet plutôt que de simples détails physiques. Son travail reflète une sensibilité artistique proche de celle des impressionnistes en peinture. Mettre des exemples
– Robert Demachy (1859-1936) : Photographe français, maître des techniques de manipulation de l'image, telles que le bromoil et la gomme bichromatée, qui lui permettaient de produire des images aux qualités picturales, Mettre des exemples
– Constant Puyo (1857-1933) : Autre photographe français du mouvement pictorialiste, qui a également exploré des techniques permettant de rendre les photographies plus artistiques, en insistant sur l'effet de la lumière et les textures douces. Mettre des exemples
## La photo surréaliste
Nous allons avancer un peu dans le temps, jusqu’aux années 1920, moment où Man Ray forme le premier noyau dur de la photographie surréaliste à Paris.
### Surréalisme (1924-1959)
Le surréalisme est apparu de manière plus ou moins concomitante en photo comme en peinture et en littérature. Ce mouvement se définit par “ un refus de la logique et de la raison. Il préfère libérer son inconscient ; ses phobies, ses désirs, ses rêves réprimés.
André Breton complète en écrivant dans le premier « Manifeste du Surréalisme » publié en 1924 qu’il s’agit d’un « automatisme psychique pur, par lequel on se propose d’exprimer (…) le fonctionnement de la pensée, en l’absence de tout contrôle exercé par la raison » de sorte que le spectateur peut observer des oeuvres hors des sentiers battues de la rigidité académique.
Les peintres phares de ce milieu sont notamment : René Magritte, Salvador Dali (qui a aussi fait des photos), Joan Mirò, Max Ernst, Kay Sage, Victor Brauner … Exemple de peinture surréaliste/artiste
Quant aux photographes surréalistes, on compte parmi eux Man Ray, Brassaï, André Kertész, Lee Miller, Dora maar, Germaine Krull, Claude Cahun ou encore Jacques-André Boiffard et encore et toujours notre cher HCB préféré particulièrement avant d’entrer dans l’agence Magnum Exemple de photo surréaliste/artiste
Tout comme les peintres, pour ces artistes la photo surréaliste a pour but de sortir de la réalité, montrer un pan imaginaire de nos existences, mettre en image des pensées ou des rêves ou encore démontrer que la photographie n’est pas le reflet de notre réalité mais simplement un bout de celle-ci. Ce qui est intéressant, c’est que chacune et chacun d’entre eux ont utilisé des méthodes diverses pour parvenir leurs fins :
– Utiliser le cadrage et l’orientation de la photo comme moyen de tromper la réalité
– Faire de la superposition par collage ou par accumulation d’images
– Utiliser des jeux de reflets, d’ombre et de lumière
– Composer une scène volontairement absurde ou décalée
– Faire appel à des méthodes de productions spécifiques comme la solarisation, le brûlage ou encore les rayogrammes
Tant de possibilités qui, encore utilisées aujourd’hui pour certaines, nous offrent des spectacles visuels dont on ne se lasse pas. Pour autant, on est très loin du rendu impressionniste si cher à mon coeur.
## L’impressionnisme en photo
Je vous le disais, Bien que les surréalistes des années 1920 aient exploré des approches novatrices autant en peinture qu’en photo, la photographie impressionniste semble ne pas avoir trouvé sa place ni à cette époque ni avant. Les photographes étaient davantage préoccupés par la précision et la clarté des images, et la photographie impressionniste nécessitait des techniques plus subtiles et subjectives qui n'étaient peut-être pas encore pleinement valorisées à l’époque.
L'idée d'une photo purement impressionniste, visant à capturer l'essence plutôt que la réalité précise, n'a vraiment pris forme qu'avec l'avènement de nouvelles technologies et une plus grande liberté artistique au cours du XXe siècle. Mais on peut quand même souligner le fait que le mouvement impressionniste (en photo) et le pictorialiste se retrouvent dans le désir de donner un aspect relatif à la peinture (c’est dans le nom), à une photo par une vision plus subjective, un refus de la réalité et une envie de retranscrire des sensations.
À bien y réfléchir, le mouvement impressionniste étant très coloré, il est possible que la photographie impressionniste n'ait vraiment pu véritablement se développer qu'après la reconnaissance de la photographie couleur en tant qu'art. Bien que la couleur ait été introduite en photographie autour des années 1850-1860, son adoption artistique sérieuse a été lente. L'introduction du Kodachrome en 1936 a certes marqué un tournant en la popularisant, ce n'est qu'à partir des années 1950 que la photographie couleur a commencé à être prise au sérieux dans le monde de l'art.
Ce n’est qu’une fois la couleur bien établie que les photographes ont pu expérimenter plus librement des techniques impressionnistes, en utilisant la couleur pour évoquer des ambiances, des atmosphères et des émotions, de la même manière que les peintres impressionnistes l’avaient fait avant eux. Cette liberté nouvelle, combinée à l'évolution des techniques photographiques et à l'acceptation plus large de la photographie comme forme d'art, a permis à la photographie impressionniste de réellement prendre son envol.
Ce mouvement photo, étant récent, il y a peu d’informations sur le sujet. Pour autant, il y a un artiste qui semble le représenter plutôt bien.
# André Naggar (1922 – 2014)
André Naggar est un photographe français d’origine égyptienne, dont le travail et la trajectoire de vie sont peu connus du grand public, mais extrêmement respectés dans le cercle de la photographie d’art. Sa carrière se distingue par une approche très poétique et philosophique de la photographie.
André Naggar est né au Caire en 1924. Durant sa jeunesse, il fait des études d’ingénierie à Paris, ville dans laquelle il s'installe définitivement. Paris était à l’époque un creuset artistique (rappelons-nous : les années 40-50 sont marquées par l’arrivée de l’agence Magnum et toutes les tête d’affiche qu’on connait). André Naggar se découvre une passion pour la photographie. Il commence à la pratiquer en tant qu’amateur, influencé par la scène artistique parisienne de l’après-guerre jusqu’à ce que la photographie devienne pour lui un moyen d’expression personnelle, mais aussi une façon d’interroger le monde et son existence.
Naggar a débuté sa carrière photographique de manière plus formelle dans les années 1950. En tant qu'autodidacte, son approche de la photographie n’était pas strictement technique, mais beaucoup plus philosophique et artistique.
– Photographie en noir et blanc : La majorité de ses œuvres sont réalisées en noir et blanc, un choix délibéré pour se concentrer sur la composition, la lumière et l'atmosphère, plutôt que sur la distraction des couleurs. Ce choix permet aussi de mieux capter les émotions et les textures.
Photographie Collotype contemporaine française en noir et blanc – Andre Naggar
1996
– Lumière et ombre : L’ombre et la lumière jouent un rôle crucial dans son œuvre. La lumière est souvent douce et naturelle, capturant des moments fugaces, tandis que l'ombre devient une métaphore de l'absence ou de la contemplation.
Bride, 2000
– Prises de vues urbaines : Une grande partie de son travail se concentre sur les scènes urbaines, principalement à Paris. Il photographie la ville comme un espace à la fois poétique et mélancolique, où chaque coin peut devenir une méditation visuelle sur le temps et l’espace.
Beaubourg et autour
– Cadrages intimes : Naggar préfère les cadrages serrés et des compositions minimales, jouant avec les ombres et les formes géométriques pour créer des images à la fois simples et complexes. Il joue beaucoup sur les lignes, les formes architecturales et les espaces vides, ce qui donne une dimension introspective à ses photographies.
Chevaux de bois
– Sujets humains : Bien que les paysages urbains soient au cœur de son œuvre, André Naggar s'intéresse aussi à la figure humaine. Il photographie souvent des personnes dans un contexte quotidien, mais avec une certaine distance, comme s'il cherchait à capturer des fragments de vie en toute discrétion, presque furtivement.
Composition photographique abstraite II, 1980
– Expérimentations techniques : C’est à partir des années 1970, il commence à expérimenter avec les techniques photographiques, créant des images plus abstraites. Il joue avec des procédés de surimpression ou d'exposition multiple, ouvrant la voie à des œuvres plus introspectives et mystérieuses.
Composition photographique abstraite I, 1980
C’est là qu’on en revient à notre sujet !
Parmi les inspirations de Naggar, on retrouve :
– La photographie humaniste c-avec les travaux de Robert Doisneau, Henri Cartier-Bresson et Willy Ronis etc.
– La poésie : Naggar étant un grand admirateur de poésie, ça transparaît dans ses photographies.
– La philosophie existentielle retranscrite dans son oeuvre par les thèmes qu’ils cherchent à représenter notamment la solitude, l'isolement ou l’étrangeté du quotidien.
– Et bien sûr, le surréalisme dans lequel Naggar retrouve un aspect onirique qu’il reproduit dans ses photographies avec des œuvres plus tardives. Naggar explore parfois l’absurdité ou l’étrangeté de la vie urbaine, ce qui rappelle des éléments du surréalisme.
## Pep Ventosa (1957 – ajd)
Le 2nd photographe qui m’a paru pertinent de vous présenter est Pep Ventosa.
Pep Ventosa est un photographe catalan contemporain né à Barcelone. Il se distingue rapidement en tant qu'artiste pour sa capacité à déconstruire et reconstruire des images, offrant ainsi une expérience visuelle innovante. Ses techniques créatives sont même enseignées dans les programmes de formation en photographie (il parait, je n’ai pas vérifié).
> Le HuffPost ARTS & CULTURE le présente comme un artiste qui transforme des photographies en images. Il remet en question l'idée selon laquelle une photographie ne peut capturer qu'un seul instant précis dans le temps. La technique de Ventosa permet non seulement de créer une image visuellement frappante, mais aussi de réexaminer le médium photographique lui-même. Il déconstruit et reconstruit des images photographiques pour interroger ce que nous voyons et comment nous le voyons.
Pep Ventosa a développé un style distinctif basé sur l'assemblage de multiples images d’un même sujet, souvent des paysages urbains ou des monuments emblématiques, pour créer une seule œuvre composite. Son approche la plus célèbre est celle des "Collective Snapshots" (l’instantané collectif), où il superpose plusieurs clichés d'un même lieu ou objet pour en créer une représentation abstraite, évoquant une mémoire collective plus qu’une simple captation visuelle. Ce travail a été largement salué pour sa capacité à réinventer la perception des lieux familiers, transformant des sites touristiques tels que la Tour Eiffel ou le Pont de Brooklyn en œuvres quasi picturales.
Il a aussi exploré d'autres séries et procédés photographiques notamment lors de la réalisation de sa série "Trees in the Round" (l’arbre dans le cercle) qui est d’ailleurs ma préférée, où il photographie des arbres en tournant autour d'eux, capture des images qu’ils superposent les unes après les autres pour créer des représentations presque circulaires de ces sujets naturels.
Son travail a été exposé à l’international, et il continue d'influencer de nombreux artistes contemporains avec ses techniques novatrices.
Il a bien sûr travaillé sur plusieurs autres projets et séries, toujours dans l’idée d’une association de plusieurs images pour n’en créer qu’une. Comme la série Art's Magnetic Field (ou le champ magnétique de l’art) qui consiste à photographier des oeuvres d’art ou encore Reconstructed Works (Travaux reconstitués) dans laquelle il réalise des paysages urbains en faisant des sortes de patchworks d’images qu’il superpose à nouveau pour reconstituer une vision connue.
Conclusion :
Merci à tous d'avoir regardé cette vidéo. Je suis ravie d'avoir pu aborder le sujet de l'influence de la peinture sur la photographie. Les frontières entre les arts sont poreuses et c’est cette perméabilité qui permet l'émergence de nouvelles idées, qui fait évoluer les techniques, et nous pousse constamment à innover et à expérimenter davantage.
J’ai pas mal bossé sur cette vidéo pour vous en proposer un premier aperçu. Peut-être que dans une prochaine vidéo je ferai le cheminement inverse : comment la photo a influencé la peinture. Ou peut-être faire un focus plus approfondi sur un mouvement photo. Je ne sais pas.. Dites moi ce qui vous intéresse !
En tout cas, cette vidéo-ci m’a demandé pas mal de travail donc j’espère qu’elle vous aura plu ! Comme d’hab, n’hésitez pas à interagir dans les commentaires, j’essaie toujours de répondre à tout le monde.

Et surtout n’oubliez pas de vous abonner et d’activer la cloche puisque la prochaine fois, nous aborderons un tout autre sujet mais Ô combien fascinant pour les féru de photo que nous sommes !
A plus !
PS : Si c’est la pratique du portrait qui vous fait vibrer, ma formation est disponible chez Formation.Photo en partenariat avec Laurent Breillat !

Tchuss !
# Mise en ligne IA
> Voir Mes prompts pour les copier
## Titre
## Mots clés
## Description YT
## Mail d’annonce
# Retranscription